Ваш день рождения 6 июля.

6 июля
1919 года родился Освальдо ГУАЯСАМИН (в городе Кито), эквадорский художник, муралист и скульптор, потомок индейцев кечуа. Известный мастер Латинской Америки XX века. Рисовал стенописи, портреты, пейзажи, символические образы в картинах. Ученик Хосе Клементе Ороско.
* * * * *
Выходец из бедной семьи, в которой росло 10 детей и нищета была повседневной обыденностью, Освальдо был старшим. Отец был индейцем, мать — из метисов. Их фамилия Гуаясамин переводится с диалекта языка кечуа как «Белая птица».
В школе Освальдо учился плохо, ничего, кроме рисования и игры на гитаре, его не привлекало. Важным этапом в его жизни было обучение в Школе изящных искусств города Кито, где он учился с удовольствием и страстью, и которую окончил с отличием. В 1942 году Гуаясамин сам организовал свою первую выставку; на ней он имел успех и получил приглашение на работу в США.
Значимым в творчестве художника оказался цикл «Дорога Слёз» из 103 картин, созданный за 2 года и воссоздавший жизнь индейцев Латинской Америки. После большого вернисажа в Кито в 1951 году картины выставляли во многих художественных центрах мира. В 1956 году в Испании цикл получил премию.
Освальдо Гуаясамин неоднократно обращался к созданию портретов. Несмотря на упрощенную манеру рисования, они более реалистичны, чем основная часть произведений художника. Среди них портрет политического лидера Кубы — Фиделя Кастро, Саскии Гуаясамин, Тоти Родригес, Габриэлы Мистраль, а также несколько автопортретов.
Гуаясамин получил признание при жизни, об этом свидетельствуют вернисажи в столицах разных стран мира. В 1983 году его картины увидели в Москве и в Ленинграде. Выставку произведений мастера создал в 1973 году Музей современного искусства в Париже, которую посетили 1,5 млн. человек.
Его индивидуальная манера выстроена на символическом использовании красок и образов, стилизации индейских лиц. Человеческие руки играют часто главную роль в картинах Гуаясамина и поражают выразительностью значительно больше, чем лица.
Художник долго страдал от расизма окружения, унижения и обид, искусственной обособленности на себя как индейца по происхождению. Поэтому темами его картин стали человеческое страдание, слепое отчаяние, боязнь, и сопротивление этому угнетению, тоска.
Тяга к символам значительно отразилась в пейзажах, где преобладают упрощённые формы и гор, и домов, и водоёмов. При этом они вполне узнаваемы.
Освальдо Гуаясамин был коллекционером. После обретения финансовой независимости и благосостояния он начал активно коллекционировать керамику индейцев доколумбовой Америки, произведения искусства колониального периода (религиозная живопись, религиозная скульптура), картины некоторых мастеров, тесно связанных с культурой Испании (Гойи, Пикассо и др.).
В 1976 году Гуаясамин создает фонд в Кито, и отдает в дар свои работы, т.к. он воспринимает искусство как наследие народов. В 1978 году известный уже тогда художник передал в дар государству Эквадор около 500 картин и скульптур из своей коллекции. Произведения мастера неоднократно печатали различные издания мира.
Освальдо Гуаясамин был дружен с кубинским президентом Фиделем Кастро и колумбийским писателем Габриэлем Гарсиа Маркесом.
Скончался Освальдо ГУАЯСАМИН 10 марта 1999 года в Кито.
Создан Музей художника, работает личный Фонд Гуаясамина.

6 июля
В 1906 году родился Георгий Евлампиевич НИКОЛЬСКИЙ (в Пскове), выдающийся советский художник и график, один из самых ярких представителей анималистического жанра, работавших в отечественной книжной графике, ученик Василия Ватагина. Заслуженный художник РСФСР.
* * * * *
Выходец из семьи ректора реального училища, он с 1924 года жил в Москве, где много времени проводил в зоопарке, рисуя зверей с натуры. В 1925 году Георгий вступает в кружок юных биологов Московского зоопарка (КЮБЗ). В зоопарке он знакомится с художником-анималистом Василием Ватагиным и его учеником Дмитрием Горловым.
Тогда же Георгий Никольский делает попытку приобщиться к профессиональному искусству и поступает во ВХУТЕМАС, но, проучившись недолго, переходит в университет, где учится на биолого-почвенном факультете.
После окончания университета он, по настоятельной рекомендации Ватагина начинает работать художником-иллюстратором. Его первая самостоятельная книга, «Страна зверей» Виталия Бианки, выходит в 1935 году, тогда же появляются и его рисунки в журнале «Мурзилка».
В 1937 году художник вместе с Дмитрием Горловым иллюстрирует повесть «Кинули» и другие рассказы для книги «Мои воспитанники» своей давней знакомой по КЮБЗу Веры Чаплиной.
Во время Великой Отечественной войны Никольский, несмотря на болезнь сердца, добивается перевода из резерва в действующую армию, а с середины войны служит в военной студии имени М.Б. Грекова.
С середины 1940-х годов он вновь в книжной графике, где к нему стремительно приходит успех. Георгий Никольский становится одним из самых востребованных художников-анималистов: в период 1944-49 годов выходит 35 книг, иллюстрированных им. Среди авторов: Л. Толстой, Д. Мамин-Сибиряк, Э. Сетон-Томпсон, М. Пришвин, В. Бианки, П. Мантейфель, Г. Скребицкий, В. Чаплина и др.
Также художник сотрудничал со студией «Диафильм», для которой выполнил серию рисунков к диафильму по книге Р. Киплинга «Маугли».
Скончался Георгий Евлампиевич НИКОЛЬСКИЙ 28 ноября 1973 года в Москве.
* * * * *
Характеристику его творчества дал художник детской книги В. Дувидов: «Никольский был, несомненно, счастливым человеком. Целью жизни его… было страстное, пристальное наблюдение и изучение природы, её состояния, её изменчивости. Животные как неотделимая часть природы были центром его внимания. В его тетрадях и альбомах рядом с рисунками с натуры присутствуют словесные описания позы животного, поворота листа или ветки дерева, состояния вечера или раннего утра… Это был ищущий художник, доводящий своё мастерство до изумительной виртуозности… Работа в детской книге требует не только научных и художественных знаний, но и душевной щедрости, любви к природе».
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #Н__

6 июля
В 1793 году родился Пётр Васильевич БАСИН (в Санкт-Петербурге), русский религиозный, исторический и портретный живописец, академик (1830), заслуженный профессор. Дед историка Н. Грушке.
Им написано множество портретов, аллегорических фигур, украшающих залы Зимнего дворца, но известность ему создали работы в области религиозной живописи. Басин оказал значительное влияние на русскую художественную школу.
Художник написал около сотни картин, наилучшие из которых принадлежат Академии художеств, государственному Русскому музею и Третьяковской галерее.
* * * * *
Выходец из семьи чиновника, он первоначально служил в экспедиции государственных доходов, а в 1813 году поступил вольнослушателем в рисовальные классы Академии художеств (АХ), где овладевал художественным мастерством под руководством профессора В. Шебуева.
В 1818 году за программную картину на сюжет, им самим избранный: «Христос изгоняет торгующих из храма» Басин получил большую золотую медаль и право на пенсионерское пребывание в Риме с содержанием из сумы Кабинета Его Величества.
Одиннадцатилетнее пребывание в Италии можно отнести к наиболее удачным годам его творчества. Здесь он создает не только картины на мифологические сюжеты – «Фавн Марсий учит юношу Олимпия игре на свирели» (1821), «Сусанна, застигнутая старцами в купальне» (1822), – как того «требовало» господствующее в Академии художеств направление академизма, но также пишет портреты, жанровые сцены из итальянской жизни, пейзажи и др.
В 1830 году, по желанию Императора Николая I, Басин был вызван в Россию для работ в строившемся в то время Исаакиевском соборе, где и находятся главные его произведения. По возвращении в Россию, за картину «Сократ, спасающий в сражении при Потидее Алкивиада», художник был назначен академиком.
Росписи Исаакиевского собора выполнены в традициях русской академической школы и в строгом соответствии с канонами Православной Церкви. Они принесли художнику славу. За работу в соборе Басин был награжден орденом св. Владимира 3-й степени и золотой медалью на Андреевской ленте. Через год после завершения росписей Исаакиевского собора, в 1856 году, он был возведен в звание заслуженного профессора.
Басин преподавал в АХ и успешно занимался этой деятельностью почти сорок лет (1831-1869). В эти годы он пишет для Зимнего дворца 40 мифологических и аллегорических фигур, а также плафон для дворцовой церкви. Совместно с Ф.И. Вундерлихом выполнил росписи Помпейской галереи Зимнего дворца. В награду за эти работы художник получил орден св. Владимира 4-й степени и золотую медаль, отчеканенную в память восстановления дворца после пожара.
Завершающими работами Басина стали в 1867 году исполненные в натуральную величину картоны фигур, предназначавшиеся для росписей храма Христа Спасителя в Москве. Из-за резко ухудшившегося зрения художник не смог осуществить их непосредственно в храме. Это сделал под его руководством академик живописи Н.А. Кошелев.
Последние 10 лет жизни художника прошли тихо и незаметно. Почти слепой Басин вынужден был отойти от занятий искусством. В отставку он вышел в 1869 году заслуженным профессором I-й степени по живописи исторической и портретной, в чине действительного статского советника.
Скончался Пётр Васильевич Басин 16 июля 1877 года в Санкт-Петербурге, похоронен на Новодевичьем кладбище, где было установлено архитектурное надгробие.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #Б__

6 июля
В 1922 году родился Владимир Фёдорович ЧЕКАЛОВ (в Костромской области), русский советский художник, живописец, педагог.
После седьмого класса Володю, как проявившего способности к рисованию, приняли в среднюю художественную школу при Всероссийской Академии художеств.
В июле 1941 года Чекалова призывают в Красную Армию; он прошёл путь от курсанта военно-инженерного училища до гвардии старшего лейтенанта, командира сапёрной роты. Воевал на Юго-Западном и Северо-Кавказском фронтах, участвовал в боях под Сталинградом. В 1944-45 годах с частями 3-го Украинского фронта участвовал в освобождении Румынии, Болгарии, Венгрии, Югославии, Австрии. Был ранен. Награждён орденом Красной Звезды, двумя орденами Отечественной войны 2-й степени, медалью «За победу над Германией».
В октябре 1946 года Владимир Чекалов поступил на живописное отделение ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина.
В конце 1952 года дипломная картина – «Солдатская кухня» демонстрировалась в Москве на всесоюзной выставке дипломных работ студентов художественных вузов. В феврале 1953 журнал «Советский Союз», издававшийся на шести языках, поместил в полный разворот цветную репродукцию дипломной картины Чекалова.
Ведущей темой творчества стал образ советского солдата-освободителя. Автор картин «Солдатская кухня», «На Финском заливе», «Паренёк в румынском костюме», «На привале. В Болгарии», «Письмо из дома», «Младший сержант» и др.
В конце 1950-х – в 1960-х годах Чекалов совершает творческие поездки в Крым, работает в Старой Ладоге, на Академической даче, много времени уделяя пейзажу. В этом жанре с особой силой раскрылось живописное дарование художника, его чувство цвета и умение передавать состояние световоздушной среды.
Владимир Чекалов был членом Санкт-Петербургского Союза художников, преподавал в художественной школе для глухонемых детей в Павловске.
Скончался Владимир Фёдорович Чекалов 4 июня 1992 года в Санкт-Петербурге. Его произведения находятся в музеях и частных собраниях в России, Франции, США, Германии, Великобритании и других странах.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #Ч__

6 июля
В 1755 году родился Джон ФЛАКСМАН (в Йорке), английский скульптор и рисовальщик.
С детства влюблённый в античность, Флаксман читал латинских и греческих поэтов, рисовал и лепил с античных образцов (благо его отец имел магазин гипсовых слепков). Он стал выставлять свои произведения на выставках с 12 лет.
Флаксман учился в Лондонской академии художеств, но недолго. После этого он занимался ваянием под руководством Бэнкса, Кумберленда, Шарпа, Блейка и Стотарта.
Ранние произведения, исполненные им в 1775-87 годах – в период сотрудничества со знаменитым керамистом Веджвудом, заслуженно составили наиболее известную часть его обширного творческого наследия. По моделям и рисункам Флаксмана в керамических мастерских Веджвуда изготавливались камеи, медальоны, плакетки и др.
Лучше всего ему удались горельефы и барельефы, небольшие группы и статуэтки («Венера и Купидон», «Кефал и Аврора»).
В 1781 году Флаксман женился на Анне Денман, которая стала ему верным другом на всю жизнь, помогая и делом и советами. Она оказала огромное влияние на развитие его таланта. Вместе с женой художник отправился в 1787 году в Рим, где пробыл 7 лет. После возвращения в Лондон он в 1800 году был избран в члены лондонской Академии художеств. С 1810 года служил в ней профессором скульптуры. Его лекции по истории и теории скульптуры, изданные в 1829 году, явились важным документом английского художественного самосознания.
Флаксман прославился своими сборниками иллюстраций к творениям Гомера, Гезиода, Эсхила и Данте. Иллюстрации к «Одиссее» (1803), «Трагедии Эсхила» (1795), «Божественной комедии» (1797) выдвинули его в число наиболее видных представителей неоклассицизма. В этих лёгких контурных рисунках, отличавшихся чистотой и красотой текучих линий, современники мастера видели воплощение своего понимания идеала красоты. Рисунки показывают его изощрённость в композиционных построениях.
Флаксман – автор многочисленных памятников, таких как семейству Берингов в церкви Михельдевера в Гемпшире, Нельсону, Дж. Рейнольду и адмиралу Гоу в соборе Св. Павла в Лондоне и др.
Памятники Флаксмана отличает грамотность конструкции. Он высоко ставил изучение анатомии, чему доказательством служат составленные им анатомические таблицы, предназначенные для обучения молодых художников: «Анатомические этюды костей и мускулов» (1833).
Лучшим, что создал Флаксман, считается памятник судье Мэнсфилду (1795).
Другие наиболее известные произведения Флаксмана: рельеф «Щит Ахилла» (по Гомеру), «Весталка», «Смерть Цезаря», «Аполлон и Марпесса», «Да будет воля Твоя», мраморные статуи – «Покорность судьбе», «Спящий ребёнок», «Аполлон в образе пастуха» и «Джон Кембл» (в Вестминстерском аббатстве).
Англичане чтут память скульптора. Огромное собрание его произведений (модели, слепки, рисунки и пр.) находится во «Флаксмановской галерее» Лондонского университета. Ряд моделей терракотовых бюстов хранятся в музее Соун в Лондоне.
Скончался Джон Флаксман 7 декабря 1826 года в Лондоне.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #Ф__

6 июля
В 1818 году родился Адольф АНДЕРСЕН (в Бреслау), немецкий шахматист, один из крупнейших шахматистов в истории, мастер комбинационной игры и глава комбинационной школы, педагог, профессор математики, доктор наук.
Победитель первого международного шахматного турнира в Лондоне (1851), после которого считался лучшим шахматистом мира.
Создатель «бессмертной» и «неувядаемой» партий, которые вошли в историю шахмат как шедевры комбинационной игры.
* * * * *
Когда Адольфу исполнилось 9 лет, отец научил его играть в шахматы. Андерсен вспоминал, что лучше всего изучил игру на основе книги Уильяма Льюиса «50 партий между Лабурдоннэ и Макдоннелом» (1835).
Учась в гимназии, он рисовал в учебниках шахматные диаграммы, играл со своими друзьями партии «по переписке» во время уроков, что не помешало ему успешно окончить гимназию. Затем учился в университете Бреслау. Учёную степень получал в Берлине, где и познакомился с сильными шахматистами.
Андерсен изучал философию и грамматику, затем всю жизнь преподавал в гимназии в своём родном городе.
Он не пользовался известностью в шахматных кругах до 1851 года, когда, к всеобщему изумлению, завоевал первое место в Лондоне на первом международном турнире, с которого началась современная шахматная эра.
Благодаря своим успехам, Андерсен был признан сильнейшим шахматистом своего времени, однако в 1858 году проиграл в Париже принципиальный матч с Морфи, что существенно поколебало его шахматный авторитет. Но после того как Морфи сошёл со сцены, Андерсен восстановил репутацию сильнейшего шахматиста в мире, одержав победу на сильном турнире в Лондоне (1862).
В 1866 году он проиграл трудный матч Стейницу со счётом 6:8 (без учёта ничьих), фактически передав тому неофициальное звание чемпиона мира. Тем не менее, в 1870 году на турнире в Баден-Бадене Андерсен занял первое место, опередив Стейница, который оказался только вторым.
Партии Андерсена с Кизерицким (Лондон, 1851) и Дюфренем (Берлин, 1852) вошли в историю под эпитетами «бессмертная» и «неувядаемая» – настолько сильно современников поразило комбинационное мастерство Андерсена. Однако впоследствии при более тщательном изучении стало ясно, что комбинации стали возможны благодаря грубым ошибкам соперников и что в случае лучшей игры соперники Андерсена даже могли одержать над ним победу.
Впрочем, несмотря на довольно слабую (вследствие романтического пристрастия Андерсена к атаке) игру, Андерсен в этих и других партиях продемонстрировал исключительно глубокое комбинационное видение. В конце жизни Андерсен пришёл к пониманию некоторых принципов позиционной игры (например, партия с Паульсеном в Вене, 1873).
Скончался Адольф Андерсен 13 марта 1879 года в Бреслау (ныне Вроцлав).
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #А__

6 июля
1907 года родилась Фрида КАЛО де РИВЕРА /имя при рождении – Магдалена Кармен Фрида Кало Кальдерон/ (в Койоакане, пригороде Мехико), мексиканская художница, наиболее известная автопортретами, жена Диего Риверы.
Мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки, где смешалась испанская и индейская культуры, оказали заметное влияние на её творчество. Художественный стиль Фриды Кало иногда характеризуют как наивное искусство или фолк-арт. Основоположник сюрреализма Андре Бретон причислял её к сюрреалистам.
Ее картины висят в Лувре и Музее современного искусства в Нью-Йорке.
* * * * *
В 6-летнем возрасте Фрида перенесла полиомиелит и после болезни на всю жизнь осталась хромота, её правая нога стала тоньше левой (что она всю жизнь скрывала под длинными юбками). Столь ранний опыт борьбы за право полноценной жизни закалил её характер.
Фрида Кало занималась боксом и другими видами спорта. В 15 лет она поступила в Национальную подготовительную школу с целью изучать медицину. Из 2000 учащихся там было всего 35 девушек, но Фрида сразу же заработала авторитет.
В возрасте 18 лет Фрида попала в тяжёлую аварию. Год она была прикована к кровати, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Впоследствии ей пришлось перенести несколько десятков операций, месяцами не выходя из больниц.
Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Для Фриды сделали специальный подрамник, позволявший писать лёжа. Первой её картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
В 1929 году Фрида Кало стала женой Диего Риверы. Ему было 43 года, ей – 22. Сближало двух художников не только искусство, но и общие политические убеждения.
Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна – когда автобус врезался в трамвай, другая – это Диего». В 1930-х годах она какое-то время жила в США, где работал муж. Это вынужденное долгое пребывание за границей, в развитой индустриальной стране, заставило её острее чувствовать национальные различия.
С тех пор художница с особенной любовью относилась к народной мексиканской культуре, коллекционировала старинные произведения прикладного искусства, даже в повседневной жизни носила национальные костюмы.
Поездка в Париж в 1939 году, где Кало стала сенсацией тематической выставки мексиканского искусства (одна из её картин была даже приобретена Лувром), ещё сильнее развила патриотическое чувство.
В 1940-е годы картины Фриды Кало появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в Дневнике, ставшем культовым среди её поклонников.
В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на родине. К тому времени она уже не могла встать с постели, и на открытие выставки её принесли на больничной койке.
Скончалась Фрида КАЛО 13 июля 1954 года в Койоакане.
Прощание с ней проходило во Дворце изящных искусств. На церемонии помимо Диего Риверы присутствовал президент Мексики Ласаро Карденас и многие деятели искусств.
В 2003 выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве.

6 июля
В 1897 году родился Анатолий Борисович МАРИЕНГОФ (в Нижний Новгороде), русский поэт-имажинист, драматург, автор мемуаров.
Детство Анатолия, выходца из дворянской семьи, прошло под сильнейшим влиянием отца, который в 1913 году, воспользовавшись предложением английского акционерного общества «Граммофон», стал его представителем в Пензе и переехал туда с детьми. Обширные мемуары писателя отводят отцу роль наиболее здравомыслящего и тонкого человека среди всего их тогдашнего окружения.
В 1916 году Мариенгоф уезжает в Москву и поступает на юридический факультет Московского университета. Не проучившись и полгода, попадает на фронт: в составе инженерно-строительной дружины занимается устройством дорог и мостов. И в школьные годы, и на фронте он писал стихи. Появляется первая пьеса в стихах «Жмурки Пьеретты». Демобилизация случилась сама собой: пока он ехал в отпуск, произошла революция.
Мариенгоф возвращается в Пензу и с головой уходит в литературу: создает поэтический кружок, включивший соученика по гимназии поэта Ивана Старцева и художника Виталия Усенко, в 1918 году печатает первую книжку стихов – «Витрина сердца».
Нежные отношения Анатолия с отцом оборвала нелепая случайность. Летом 1918 года белые чехословаки входят в город, во время уличных боев шальная пуля сразила Бориса Михайловича.
Анатолий Мариенгоф навсегда покидает Пензу и переезжает в Москву, где работая литературным секретарем издательства ВЦИК, знакомится с Бухариным.
Вскоре происходит его встреча с Сергеем Есениным, переросшая в дружбу двух поэтов. Вместе они ездят по стране: летом 1919 года побывали в Петрограде, весной 1920 – в Харькове, а летом в Ростове-на-Дону и на Кавказе.
Вскоре сложилась компания из четырех друзей-поэтов – Есенина, Мариенгофа, Рюрика Ивнева и Вадима Шершеневича. Именно эта четверка стала костяком нового литературного движения – имажинизма (от франц. image – «образ»). Заимствовав у футуристов их методы публичного позиционирования, имажинисты проводят ряд шумных и скандальных «акций».
Литературная репутация, которую создавал себе Мариенгоф в те годы с помощью имажинизма, принесла ему быструю и громкую известность. Издав несколько десятков стихотворных сборников, движение впадает в затяжной кризис.
В конце 1923 года Мариенгоф женился на артистке Камерного театра А.Б. Никритиной. Два года работал заведующим сценарным отделом Пролеткино, начал писать киносценарии. Всего их было создано около десяти.
В 1928 году в берлинском издательстве «Петрополис» вышел роман «Циники» (в СССР издан только в 1988 году). Публикация «Циников», равно как и следующего романа «Бритый человек», вышедшего в том же издательстве в 1930 году, принесла Мариенгофу массу неприятностей, и за который он был подвергнут в СССР травле.
В вышедшем в 1932 году 6-ом томе «Литературной энциклопедии» его творчество характеризуется как «один из продуктов распада буржуазного искусства после победы пролетарской революции».
В июне 1941 года Мариенгоф приходит на Ленинградское радио и ежедневно пишет баллады (очерки в стихах), тут же звучавшие в выпусках «Радиохроники». Вскоре, вместе с Большим драматическим театром, он с женой были эвакуированы в Киров, где прожили около трёх лет.
В 1948 году им была написана пьеса «Суд жизни», но её не приняли к постановке. В 1953-56 годах написал автобиографическую книгу «Мой век, моя молодость, мои друзья и подруги», где рассказал о детстве и юности, дополнил портрет Есенина. После смерти автора была опубликована её сокращённая цензурой версия (под названием «Роман с друзьями»), а в полном виде книга вышла в 1988 году.
Скончался Анатолий Борисович Мариенгоф 24 июня 1962 года в Ленинграде, похоронен на Богословском кладбище.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля #M__

6 июля
В этот день 1710 года в немецком городе Майсен (Мейсон) создана первая в Европе фарфоровая мануфактура.
Этим фарфором восхищались курфюрст Саксонии и король Польши Август Сильный, граф Брюль, императрица Екатерина II, император Александр II, А.К. Фаберже, Строгановы и Юсуповы... Самые известные музеи мира, в том числе Эрмитаж, гордятся, что в их коллекциях есть предметы из Мейсена.
Этот фарфор не подвержен веяниям моды и сохраняет свой уникальный классический облик. Все предметы, произведенные на мануфактуре с момента основания, выпускаются и сегодня.
Скрещенные синие мечи – эмблема саксонского майсенского фарфора с почти трехсотлетней историей – это один из самых престижных логотипов среди поклонников изысканной роскоши. Этот товарный знак наносится вручную кобальтовой краской под глазурью на каждое фарфоровое изделие мейсенской мануфактуры с 1722 года.
Первый в мире фарфор появился в VII веке в Китае. Свое открытие мастера хранили в строжайшей тайне. Когда китайское «белое золото» начали привозить в Европу, драгоценные предметы сделались объектом страстного коллекционирования.
Первая в Европе фарфоровая мануфактура Мейсен была основана, вскоре после открытия секрета изготовления твердого фарфора в Саксонии алхимиком Иоганном Фридрихом Бёттгером (1682-1719) в содружестве с ученым Эренфридом Вальтер фон Чирнгаузом (1651-1708).
Графу фон Чирнгаузу, основателю стекольных заводов, в 1704 году было поручено контролировать деятельность Бёттгера – его по указу правителя Саксонии Августа Сильного содержали как пленника в Майсене. Август Сильный поручил Беттгеру получить золото, однако эти опыты не увенчались успехом. Правитель разрешил Бёттгеру открыть мастерскую по производству твердого фарфора. Через 2 года совместной работы с Чирнгаузом, в 1709 году, им был открыт состав фарфора.
* * * * *
P.S.: Мейсен – марка немецкого фарфора. Название произошло от саксонского города Майсен, где впервые в Европе стал производиться фарфор.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_6_июля

6 июля
1933 года начался автопробег Москва – Каракумы – Москва.
Незадолго до этого в 1931 году в Москве завершилась реконструкция автомобильного завода «АМО» и возникла необходимость испытать новую продукцию. План автопробега по маршруту «Москва – Каракумы» должен был стать не только экзаменом для отечественной техники, созданной в течение первой пятилетки в Горьком и Москве, но и её сравнением с автомобилями, изготовленными на американских заводах.
В пробеге участвовали 96 человек на 23 автомобилях (6 – легковые «ГАЗ-А»; 6 – грузовые полуторатонные «ГАЗ-АА»; 2 – опытные образцы трехосных «ГАЗ-ААА»; 4 – 2,5-тонные грузовики «АМО-3», выкрашенные в голубую краску для лучшего отражения лучей солнца; 3 – импортные трехосные «Ford-Timken»; 1 – экспериментальная трехоска «НАТИ-ГАЗ» и 1 капитально отремонтированный заводом ВАРЗ грузовик «Ford-АА»).
Все эти транспортные средства должны были проехать из Москвы через Горький, Чебоксары, Казань, Самару, Оренбург, Актюбинск, Чимкент и Ташкент, затем пересечь пустыню Кара-Кум, переправиться через Каспийское море в Баку и оттуда через Тифлис, Армавир, Ростов-на-Дону, Харьков, Воронеж и Тулу снова вернуться в Москву.
Даже сегодня такой маршрут станет испытанием для любого автомобиля, поэтому не удивительно, что в 1933 году каракумский пробег был образцовым техническим мероприятием.
Участники за 86 дней преодолели 9400 километров, из которых только 2270 км составляли шоссейные дороги низкого качества, 1320 км – профилированные грунтовые дороги, 4580 км просёлочных путей и 1200 км полного бездорожья.
Колонна финишировала в столице 30 сентября 1933 года. В Москву пришли все машины и люди.

6 июля
ВСЕМИРНЫЙ ДЕНЬ ПОЦЕЛУЯ
Шекспир назвал поцелуй «печатью любви», а Кольридж – «нектаром дыхания». В большинстве культур, существующих на Земле, он воспевается как неизменный атрибут любовных отношений.
«С Днём поцелуя всех мы поздравляем,
Дарить любимым поцелуи, – всем желаем!
Желаем, чтобы сердце ваше пело песни,
Чтоб в жизни стало жить вам интересней».
Отмечать в этот день такое приятное действо впервые придумали в Великобритании, именно там решили, что поцелуй, как олицетворение любви, вполне достоин собственного праздника. А в конце XX века День Поцелуев удостоился официальности и всемирности – был поддержан в ООН.
Поцелуй традиционно считается одним из важнейших проявлений любви и нежности. Им можно утешить ребенка, поблагодарить родителей, объясниться в любви, восстановить отношения между супругами, поддержать друга. Иногда он способен заменить собой многие важные слова.
Говорят, что целуясь, люди таким образом определяют совместимость друг с другом, т.е. их души при поцелуе соединяются. Древнегреческий философ Платон называл поцелуй «обменом между двумя душами». Не зря на свадьбе принято целоваться как можно дольше и больше, соединяя этим самым души на всю жизнь!
Поцелуи существуют с давних пор – увы, авторство первого поцелуя не установлено, в те времена патентов не выдавалось. Он не был изобретен, как электричество или телефон. Он не был назван по имени человека, который первым соединил свои губы. Да и был ли поцелуй изобретен искусственно, или он является естественным для человека? Есть много гипотез и легенд, существует несколько теорий относительно появления поцелуя в нашей жизни.
Прежде всего, считается, что это привито культурой. Такое ощущение, что представители противоположного пола запрограммированы на поцелуй. Поэтому в романтической ситуации в силу вступает подсознательный стереотип, и люди чувствуют практически непреодолимое желание поцеловаться.
По одной из версий, люди скопировали этот обычай у животных, выбирающих таким образом партнера. Согласно другой, во время поцелуя происходит позитивный энергетический обмен. Так или иначе, но свою жизнь мы не представляем без поцелуя.
Существует гипотеза, что люди стали целовать (облизывать) своих собратьев с целью получить определенное количество соли, которая, как известно, вырабатывается при потоотделении.
Одна из самых красивых и больше всего похожих на истину легенд гласит: древние люди верили, будто дыхание содержит душу. Именно поэтому соединение дыхания целующихся влюбленных – своеобразная «свадьба душ».
Еще одна похожая на правду теория уподобляет человеческий поцелуй животному акту обнюхивания. Неспроста появилась поговорка «на дух не переносить». Для людей очень важен запах партнеров. Бывает, что симпатичный внешне человек почему-то не привлекает в сексуальном плане. Причина, по словам ученых, кроется в запахе.
Более правдоподобна теория о том, что поцелуй – это ни что иное, как отголосок младенчества. Материнскую любовь и пищу ребенок получает посредством сосания. Когда человек становится взрослым, он использует губы и акт сосания для выражения своей любви. Именно такое объяснение поцелуя дает Эдриэнн Блю, автор книги «Поцелуй, или Почему мы не можем оторваться друг от друга?». Она говорит о том, что в младенчестве мы используем губы, чтобы принимать любовь. Став взрослыми, мы начинаем не только принимать, но и отдавать любовь губами. Вот такая красивая теория, в которой, согласитесь, присутствует разумное зерно.

Поцелуи бывают разные:
Целомудренные и страстные,
Детские, взрослые и подростковые,
Уже совершенно серьезные.

Мама нежно целует ребёнка,
Ребёнок – маленького котёнка.
Любовные поцелуи – страстные,
А первые – робкие и прекрасные.
* * * * *
«Кто много целуется – тот долго живет!» Во всяком случае, именно такой вывод можно сделать из результатов исследований ученых о пользе поцелуев. Девять причин, почему целоваться просто необходимо:
1. Поцелуи развивают легкие: если обычно мы делаем около 20 вдохов в минуту, то во время поцелуя это число может увеличиться втрое.
2. Страстные поцелуи усиливают сердцебиение – эти проводит к улучшению кровообращения и обмена веществ. Кроме того, эти приятные действия тренируют сердечную мышцу.
3. Часто целующиеся люди реже страдают от кариеса. Дело в том, что поцелуи стимулируют повышенное образование слюны, которая в свою очередь очищает зубы не хуже, чем «Орбит» без сахара.
4. Во время настоящего поцелуя работает большое количество лицевых мышц – это замечательная гимнастика для профилактики морщин, т.к. тренирует лицо лучше любого массажа. Медики называют поцелуй своего рода судорогой или спазмом, в котором задействовано 29 больших и малых мышц.
5. За один поцелуй длиной в минуту можно потратить более 100 кал. Ученые подсчитали, что если ежедневно целоваться по 3 минуты, за год можно сбросить целых 3 килограмма – без диет и изнурительных тренировок.
6. Так как во время поцелуя улучшается кровообращение и обмен веществ, клетки мозга насыщаются кислородом, а это положительное влияет на умственную работу, память и способность к концентрации.
7. Во время поцелуя происходит выброс адреналина в кровь – организм заряжается энергией и приходит в тонус.
8. Выделяющиеся при поцелуе ферменты препятствуют выработке гормона стресса – глюкокортикоида. Именно поэтому поцелуй – прекрасное лекарство от стресса и депрессий.
9. Во время поцелуя происходит выброс в кровь гормона эндорфина, который еще называют «гормоном счастья». Поцеловался – и жизнь окрасилась яркими красками!
Наблюдения показали, что длительность идеального поцелуя – 3 мин, при этом желательно смотреть друг другу в глаза.
Современные люди целуются 20160 минут или две недели своей жизни.
Поцелуи приятны и полезны – прекрасное сочетание! Лозунг «целуйтесь на здоровье!» нужно понимать буквально и стараться следовать ему. Не стоит лишать себя такого полезного удовольствия, ведь страстный поцелуй – это крепкое здоровье и прочные отношения!
Ну, а поздравлять и получать такие поздравления никто не откажется.